Bild CUBES MADRID VON MADRID STREET ART PROJECT

CUBES MADRID VON MADRID STREET ART PROJECT
11.06.2024

„Arte al Cubo“ kehrt neu erfunden unter dem Namen „CUBOS Madrid“ zurück, ein Projekt zur künstlerischen Umgestaltung eines der symbolträchtigsten Orte im Zentrum von Madrid. CUBOS Madrid, das Kultur- und Kunstprojekt, nimmt mit mehr als einem Dutzend urbaner Künstler am Pasaje de los Cubos teil. Vom 8. bis 16. Juni werden Suso33, Sabek, Rosh, Marta Lapeña und mehr als ein Dutzend urbane Künstler seine Mauern erobern Walls eine Reihe von Werken, die seine Wahrnehmung, seine Erfahrungen und seine Vision von Madrid vermitteln.

Die spanische Hauptstadt verfügt über ein großartiges künstlerisches Angebot und eine angeborene Leidenschaft für die Förderung von Talenten. Diesem Trend folgend hat sich MERLIN Properties, das Immobilienunternehmen, dem die Gewerbe- und Büroflächen an der Plaza de los CUBOS gehören, für das Madrid Street Art Project entschieden, um diese symbolträchtige Passage umzugestalten, zu verbessern und zu verschönern. Ein Vorschlag für eine umfassende Intervention des Raumes mit der Präsenz urbaner Kunst an den Wänden.

Zwischen Samstag, 8. Juni und Sonntag, 16. Juni 2024 finden künstlerische Interventionen von 16 verschiedenen Autor*innen statt. Diese neue Open-Air-Kunstgalerie wird 11 bildliche Interventionen, 1 Intervention auf der Treppe, 2 Tape-Art, 1 gewebte Intervention und eine rotierende Wall by Call umfassen.

Nach seinen letzten Ausgaben in den Jahren 2017 und 2018 unter dem Namen Arte al Cubo kehrt dieses Kulturprojekt neu erfunden mit dem Ziel zurück, den Raum völlig zu verändern, mit neuen Künstlern und einem neuen Konzept: CUBOS Madrid. Die Zahl der künstlerischen Interventionen wird erweitert, insgesamt 16 kollektive Künstler von lokaler und nationaler Relevanz, deren gemeinsamer Nenner ihre besondere Verbundenheit mit der Stadt Madrid ist.

Namen wie Suso33, Taquen, Creto, Ramón Amorós, Juay, Spok, Marta Lapeña, Sabek, Rosh, Dúo Amazonas, Uneg, Diego Vicente, TAV (Tape Art Valencia), Dante Arcade, Teje La Araña oder Enganchadas werden währenddessen ihre Werke ausstellen ein Jahr in den Bereichen Calle Martín de los Heros, Ventura Rodríguez, Plaza de Emilio Jiménez Millás und der gesamten Fußgängerpassage, die diese Bereiche verbindet.

Eine Chance für alle: Ein rotierendes Wandgemälde

Zusätzlich zu den permanenten Wandinterventionen, die jährlich erneuert werden, wird in diesem Jahr als Neuheit das Programm des künstlerischen Schaffens durch die Einbeziehung eines rotierenden Wandgemäldes erweitert. Die Künstler und Gruppen, die an der Wand agieren, werden von Madrid Street Art Proyect und MERLIN Properties im Rahmen einer ständig offenen Ausschreibung auf der Website ausgewählt. Alle 4 Monate wird sich das rotierende Wandgemälde verändern und neue Interventionen zeigen. Daher haben das ganze Jahr über drei neue Künstler die Möglichkeit, ihre mit der Stadt Madrid verbundenen Arbeiten an den Wänden des Pasaje auszustellen und sichtbar zu machen.

CUBOS Madrid ist ein einzigartiges Projekt mit eigener Persönlichkeit und beispiellos in Madrid. Das Ziel besteht darin, einen lebendigen und sprudelnden Raum zu schaffen, der sich ständig verändert. Möge es sowohl für andere Künstler als auch für die Öffentlichkeit eine Referenz sein und auch Teil des täglichen Lebens der Stadt Madrid sein.

Teilnehmende Künstler

Die Architekten dieser umfassenden Intervention werden Creto , Diego Vicente , Dúo Amazonas , Juay , Marta Lapeña , Ramón Amorós , Rosh333 , Sabek , Spok , Suso33 , Taquen , TAV , Teje la Spider und Uneg sein , eine außergewöhnliche Besetzung, die die Idee von beeinflusst Madrid als offene und einladende Stadt sowie als Mischung aus Tradition und Moderne.

Mein Name ist David Sandoval, ich wurde in Bogotá, Kolumbien, geboren, ich bin Grafikdesigner und zeichne seit meiner Kindheit gern. Meine erste Annäherung an Graffiti und Street Art erfolgte etwa 2009, als ich mit meinem Cousin und ein paar Freunden meine erste Illustration auf der Straße malte.
Seit 2011 bin ich Teil des UMS-Kollektivs und entwickle Urban Art- und Graffiti-Projekte in Bogotá. Im Jahr 2014 haben wir zusammen mit dem UMS-Kollektiv mehrere der Illustrationen angefertigt, die später bei vom Bürgermeister von Bogotá organisierten Aufrufen gewonnen wurden. Im Jahr 2015 gewannen wir zusammen mit UMS Street Art ein Stipendium für künstlerische Eingriffe an einer Fassade im Zentrum von Bogotá mit einer Fläche von etwa 600 m² und malten die Illustration mit dem Titel „MACONDO“ als Hommage an den Nobelpreisträger Literatur Gabriel García Márquez. Im Jahr 2016 begann ich unter dem Pseudonym Concreto, heute Creto, zu arbeiten, wo ich urbane Kunst- und Illustrationsprojekte mit einer Ästhetik entwickle, die grafische Elemente aus indigenen, indigenen, präkolumbianischen oder afrikanischen Kulturen mischt und die auf konzeptioneller Ebene zu rechtfertigen versucht Der Kampf
Soziales Ich habe an mehreren Aufrufen und Projekten teilgenommen und dies hat mich ermutigt, weiterhin an verschiedenen kulturellen Aktivitäten, Aufrufen und kostenlosen Graffiti in Spanien und Europa teilzunehmen.

Ich bin Diego Vicente , Maler und Wandmaler. Ich bin in der Gemeinde Alagón (Zaragoza, Spanien) geboren und aufgewachsen, wo ich mit der Welt des Graffiti angefangen habe. In dieser Umgebung fand ich Inspiration und Freiheit, mich durch Farbe auszudrücken und verstand die Straße als Leinwand, auf der ich die Möglichkeiten des künstlerischen Ausdrucks erkunden konnte. Diese Leidenschaft führte dazu, dass ich eine akademische Ausbildung im künstlerischen Bereich absolvierte. Ich bin ausgebildeter Illustrator der Kunst- und Handwerksschule Zaragoza und Grafikdesigner der Aragon Higher School of Design.

Im Jahr 2014 zog ich nach Madrid, um Teil des Künstlerkollektivs Boa Mistura zu werden, mit dem ich die Möglichkeit hatte, auf der ganzen Welt beruflich zu wachsen und mich weiterzuentwickeln.
Im Jahr 2019 begann ich meine künstlerische Solokarriere mit dem Ziel, unbekannte Ziele zu überschreiten und neue Ziele zu erreichen. Seitdem habe ich mein eigenes Atelier in Madrid, in dem ich täglich an der Malerei arbeite, obwohl ein Großteil meiner Arbeit weiterhin im öffentlichen Raum durch Wandgemälde weiterentwickelt wird. Im künstlerischen Bereich versuche ich, das Abstrakte mit dem Figurativen, die Malerei mit der Zeichnung, das Organische und das Digitale, meine viszeralste Seite mit der Rationalsten zu verbinden. Ich frage mich, wie weit ich diese Verschmelzung treiben kann, um meine eigene Sprache zu finden. Ich interessiere mich für offene und subjektive Interpretationen jedes Bildes.

2017 von Natalia Andreoli (Argentinien, 1992) und Lina Castellanos (Kolumbien, 1990) gegründetes Kunstkollektiv im öffentlichen Raum, das als Raum geboren wurde
künstlerischen und kulturellen Experimentierens und Dialogs. Sie glauben an Kunst im öffentlichen Raum als Ort des Austauschs und Dialogs: „eine Gemeinschaftsübung, die bei uns als Team beginnt und die auf die Kontexte und andere Teilnehmer in den Gemeinschaften zurückwirkt, um eine Erzählung zu erreichen.“ Sein Vorschlag basiert auf der Darstellung der menschlichen Figur in alltäglichen Szenen oder Handlungen, da in dieser Ressource die Anerkennung des Gemeinsamen ermöglicht wird. Auf diese Weise wird ein Raum geschaffen, in dem wir die Art und Weise der Kommunikation, des Bewohnens unserer Umwelt, des Erkennens unserer Geschichte und der Bedeutung menschlicher Bindungen darin neu überdenken können, und zwar aus realen, alltäglichen und nahen Perspektiven.

Illustrator und Urban Artist aus Burgos, geboren 1990 und lebt in Madrid.
Ich stelle die Situationen, in denen ich lebe, als Ausdrucksform dar. In meinen Arbeiten geht es um Mode, Skateboarding und urbane Kultur mit dem Ziel, mit dem Betrachter in Dialog zu treten. Ich möchte durch Farbe und Form eine positive Botschaft vermitteln. Mein Stil ist eine Mischung aus Urban Art, Graffiti aus den 90ern in New York mit Einflüssen aus Cartoon, Pop Art, Dadaismus und alternativer Comic-Ästhetik.

Marta Lapeña ist Plastikkünstlerin und Wandmalerin. Lebt und arbeitet in Madrid. Nach ihrem Abschluss in Innenarchitektur an der Polytechnischen Universität Madrid beschloss Marta Lapeña aus Berufung, sich der Malerei und der Erforschung verschiedener Techniken zu widmen und sich später auf die Konzeption und Entwicklung künstlerischer, sozialer und persönlicher Projekte zu konzentrieren.

Ramón Amorós wurde in Buenos Aires, Argentinien, geboren und reiste mit seiner Familie nach Madrid, der Stadt, in der er an der Universität Complutense sein Studium der Bildenden Künste absolvierte und gleichzeitig sein Studium als Höherer Illustrationstechniker an der Kunsthochschule Nr. 10 von Madrid abschloss. Für seine Abschlussarbeit erhält er den Staatspreis für außeruniversitäre Lehre in der Kategorie Illustration. Seine Arbeit ist vielseitig und verwendet in der Regel verschiedene Medien (Zeichnung, Gravur, Siebdruck, Wandmalerei usw.) und versucht, Ressourcen aus Design, Illustration und bildender Kunst zu kombinieren. Das Thema dreht sich normalerweise um eine Parade erfundener Charaktere, fantastischer Kreaturen und Hybridisierungen.

Raúl Gandolfo , Alicante, 1977. Künstler, dessen Werk durch Interventionen im öffentlichen Raum geprägt wurde. Zugehörigkeit zu einer Gruppe urbaner Künstler, die zu Beginn des 21. Jahrhunderts die Aufmerksamkeit der internationalen Szene auf sich zog. Durch den Kontakt mit dieser Disziplin erwachte sein Schaffensdrang, bis er Künstler wurde.
vielfältig. Malerei, Wandmalerei, Fotografie, Grafikdesign. In der Malerei fühlt er sich am wohlsten, seine Kreationen in diesem Bereich koexistieren mit dem Medium und versuchen, traditionelle Vorstellungen des Genres in Frage zu stellen.

Seine Bildsprache liegt im Bereich der konzeptuellen Abstraktion. Alle seine Werke versuchen, eine Idee oder ein Konzept durch die Erforschung von Formen, Farben und Texturen zu vermitteln und den Untergrund dort zu verstärken, wo er sie schafft. Seit 2010 lebt er in Madrid. Parallel zu seiner eigenständigen Arbeit im öffentlichen Raum, im Rahmen der Wandmalerei, entwickelt er eine Studioproduktion, die sich aus seiner Arbeit im Ausland speist und umgekehrt.

Sabek (Madrid, 1985) ist ein spanischer Künstler, der einen Großteil seiner Karriere in Madrid begann und dort ausführte. Er beginnt seine Arbeit mit Interventionen in den Straßen und verlassenen Orten rund um die Hauptstadt, wo er seinen Stil entwickelt. Später begann er, mehr grafische Arbeiten zu produzieren und mit verschiedenen Techniken zu experimentieren. Sein unverwechselbarer Stil zeichnet sich durch die Darstellung von Formen und Farben aus, die auf den natürlichen Ursprung verweisen, insbesondere bei den edlen und kraftvollen Tieren, die ein starkes Gefühl des Respekts vermitteln. Deshalb regt seine Arbeit eine Reflexion über den Menschen und seine Beziehung zur Natur an.
Auf monumentalen Wänden auf der ganzen Welt (USA, Frankreich, Spanien, Malaysia, Russland, Neuseeland) zeigt Sabek die Spuren, die seinen Stil so ausmachen
erkennbar. Eine Mischung aus Subtilität und Kraft in perfekter Balance mit den Schatten und Massen flächiger Farben, die fast symbolisch eingesetzt werden und perfekt mit den raffiniertesten Details koexistieren. Die Tierdarstellung zeigt die Allegorie zwischen natürlichem Gleichgewicht und der darin enthaltenen Energie durch minimalistische Pflanzen- und Menschenformen. Sabek schafft Kompositionen ohne die Absicht, der Bedeutung des Symbols eine Logik zu verleihen, so dass seine Werke diese erschaffen, anstatt eine Realität widerzuspiegeln. Seine Arbeiten sind in Galerien in Spanien, Frankreich und den Vereinigten Staaten zu finden.

SPOK BRILLOR, Alter Ego von Félix Reboto (Madrid, 1978). Seit seiner Kindheit in der Kultur des Graffiti ausgebildet, hat der Künstler, obwohl er Bildende Kunst an der Universität Complutense in Madrid studierte, nie seine Beziehung zu dieser Form des urbanen Ausdrucks aufgegeben, die sein Werk weiterhin von einem nostalgischen Anspruch inspiriert. Bekannt für seine spektakulären und poetischen hyperrealistischen Wandgemälde, ist er derzeit eine der Figuren der internationalen Urban Art. 2008 nahm er an der berühmten Street Art-Ausstellung in der Tate Modern in London teil. Parallel zu seinen Wandgemälden entwickelt er Stücke mit gefundenen Neonfarben und eine Werkstatt-Bildarbeit, die an Nachtszenen mit Licht und Helligkeit als Protagonisten erinnert.

Suso33 (Madrid, 1973) gilt als eine der Referenzen für Graffiti, urbane Kunst und Wandmalerei. Ausgehend von klassischem Graffiti und Street Art hat er seine Arbeit in verschiedenen Bereichen entwickelt: Action Painting, Wandmalerei, Installation, Videokunst, Performance und Szenografie.
Zu diesen Facetten kommt die Kuratierung zweier großer Ausstellungen hinzu: „Art is Not a Crime 1977-1987“ (CEART, Fuenlabrada, 2018) und „Henry Chalfant: Art vs. Transit, 1977-1987“ (Bronx Museum, NY, 2019), gewidmet der Arbeit des Fotografen und Dokumentarfilmers Henry Chalfant (USA, 1940), dem größten Botschafter der Graffiti-Kultur auf der ganzen Welt. Malen in Bewegung, verstanden als Geste und Spur des Körpers, ist die Essenz einer Praxis, in der sich die Grenzen zwischen Malerei, Performance und darstellender Kunst auflösen und in der neue Technologien eine führende Rolle spielen. Vielleicht sind „Abwesenheiten“ die Ikonographie, die die Poetik von SUSO33 am besten definiert. Diese Synthese seiner Signatur in Form einer Körperspur, umrissen mit einer durchgehenden Linie, ist sein Emblem. Die Abwesenheiten befinden sich im öffentlichen Raum, allein oder in Gruppen, auf Mauern und Absperrungen und signalisieren Geisteszustände der Einsamkeit und Verlassenheit oder notleidender Gebiete, die unter rücksichtsloser Stadtplanungspolitik gelitten haben.

A Coruña, Spanien, 1992. Taquen arbeitet und lebt in Madrid im Mundo Estudio im Stadtteil Tetuán. Er hat einen Abschluss in Bildender Kunst von der Complutense-Universität Madrid. Interessiert an Bewegung, Veränderungen und der Beziehung zwischen Mensch und Umwelt während dieser Prozesse. Seine Arbeit basiert auf seinen eigenen Erfahrungen in der natürlichen Umgebung, in der er die meiste Zeit verbringt. Er hat eine Leidenschaft für die Berge und die Natur und versteht eine Gesellschaft, die weit davon entfernt ist, nicht. Es nutzt natürliche Elemente, um metaphorisch über unsere Beziehungen, unsere Gefühle und unsere Instinkte zu sprechen. Versteht urbane Kunst als Werkzeug für positive Veränderungen und sozialen Zusammenhalt. Als Künstler fühlt er sich für seine Arbeit voll verantwortlich, sowohl für den Raum, in dem er arbeitet, als auch für die Menschen, die ihn bewohnen, und die Umgebung, die ihn umgibt. Stets darauf bedacht, dass der kreative Prozess sowohl die Community als auch den Betrachter einbezieht.

Jose Miguel Piquer, Álvaro Navarro und Nadia Montero sind die drei Künstler hinter TAV (Tape Art València), die die Wände jedes Ortes als Leinwände für die Schaffung ihrer Werke nutzen. Seine Interventionen zeichnen sich durch einen sehr visuellen Stil aus geometrischen Formen und fluoreszierenden Farben aus. Das Kollektiv entwickelt die Zusammenstellung seiner Installationen immer unter Berücksichtigung des Raums, in dem sie entstehen sollen, um dann den Entwurf am Computer zu erstellen und ihn mit Klebebändern in die Realität zu übertragen, obwohl manchmal auch Improvisation Platz hat. Sie wurde vor mehr als sieben Jahren gegründet und ist die erste Gruppe in Spanien, die sich der Tape-Art widmet. Mit ihren Installationen begann sie, einen Coworking Space zu schmücken. Ihre Leidenschaft und ihr Erfolg führten dazu, dass sie in etwas mehr als 9 Monaten Arbeiten für Museen verrichteten.
Messen, Künstlerausstellungen usw. Im Jahr 2012 verlieh ihnen die Marke Adidas eine Auszeichnung als Gewinner des All Originals-Wettbewerbs, den die Marke landesweit veranstaltete. Heute haben sie zahlreiche Eingriffe hinter sich.

Weave the Spider ist das künstlerische Projekt, in dem Adriana Turmero und Álvaro León die kreativen Möglichkeiten und Vorteile des Webens untersuchen. Seit 2011 haben sie mehr als dreißig Werke aus Stoffen, hauptsächlich Häkelarbeiten, geschaffen. Einige davon wurden gemeinschaftlich und andere individuell erstellt. Diese Arbeiten spielten bei Garnbombenanschlägen eine Rolle oder hatten eine sehr relevante Präsenz in Videos, Videoclips, Animationen, Fotografien, Werbung und sogar interaktiven Installationen. Sie spielen mit einer Reihe ästhetischer, sozialer und spiritueller Konzepte, die für die Zeit und die Veränderungen, die wir erleben, relevant sind. Stricken bringt Männliches und Weibliches in Einklang; verteidigt das Handwerkliche gegen das Industrialisierte, gegen den zwanghaften Konsumismus; Weben Sie echte soziale Netzwerke, indem Sie digitale Netzwerke nutzen und Eigenständigkeit üben.

Der Graffiti-Künstler aus Mexiko-Stadt widmet sich hauptsächlich der Malerei von Wandgemälden. Seit 14 Jahren widmet er sich professionell der Urban Art und seine Einflüsse stammen aus der Karikatur, der Pop-Art und der naiven Kunst; Farbe und Natur sind in seinen Arbeiten sehr präsent. Die Idee seiner Wandgemälde ist es, Geschichten zu generieren
fantastisch, sehr bunt. Seine Anfänge waren Graffiti, er schuf Buchstaben und Zeichen, aber er hatte schon immer eine Leidenschaft für das Zeichnen und Illustrieren. Er studierte an der National School of Plastic Arts der UNAM, wo er begann, seine Arbeit zu professionalisieren und sich bis heute mit Sprühillustrationen und Wandgemälden zu beschäftigen.

Dante wurde 1992 in San Javier, Murcia, geboren und ließ sich in Barcelona nieder. Als Kind wurde er Mitte der 90er Jahre in seiner Heimatküstenstadt San Javier (Murcia) durch die urbane Kultur in die Welt des Graffiti eingeführt der Südosten aus Spanien. Er verfolgte weiterhin verschiedene Wege und schöpfte aus unterschiedlichen Quellen, außerhalb und innerhalb dieser Kultur. Heutzutage haben seine Haupteinflüsse ihren Ursprung in den 80er Jahren mit der New Wave, der Memphis-Designbewegung und dem goldenen Zeitalter der Arcade-Videospiele. Diese Jahre waren bekannt für verrückte Muster, leuchtende Farben und Federfrisuren. Die Ästhetik war so einflussreich, dass sie ihn auch heute noch in seinen Stücken inspiriert. Seine Arbeit wird auch von Vintage- und nostalgischen Elementen wie klassischen amerikanischen Comics genährt. Es handelt sich auch um das Modernste und Aktuelleste, wie Cyberart oder Vaporwave, die digitale Subkultur, die in den Codes des Internets, des Webs und allem, was mit dem virtuellen Raum zu tun hat, geschaffen wurde.